A música na Grécia Antiga: modos, mitos e matemática

Uma herança que a Grécia transformou

Quando a civilização grega atingiu o seu apogeu — entre os séculos VI e IV a.C. — já existia por trás dela uma longa história musical. Os sumérios tinham dado nomes aos intervalos. Os egípcios tinham integrado a música nos seus rituais fúnebres e religiosos. Todo o Mediterrâneo era um espaço de intercâmbio sonoro, onde liras, harpas, flautas e cítaras viajavam ao lado das mercadorias e das ideias.

A Grécia herdou tudo isso. Mas fez com essa herança algo que nenhuma civilização anterior havia feito de forma tão sistemática: perguntou por quê.

Não bastava saber que certos intervalos soavam bem juntos — era preciso compreender a razão. Não era suficiente constatar que a música movia as emoções — havia que explicar o mecanismo. Não bastava que os deuses amassem a música: era necessário entender que lugar ela ocupava na ordem do cosmos.

Essa pergunta — por que a música é como é? — é a contribuição mais duradora da Grécia à história musical. As suas respostas, ainda que incompletas e por vezes equivocadas, moldaram de tal forma o pensamento posterior que ainda hoje vivemos dentro de algumas de elas sem o saber.

Os deuses que tocavam

Para compreender a música grega, é preciso começar onde os próprios gregos começavam: os mitos.

Apolo era o deus da lira, da razão, da ordem e da harmonia. O seu instrumento — a kithara, versão refinada da lira — era o símbolo da música civilizada, comedida, ao serviço da palavra e do pensamento. Dionísio, pelo contrário, era o deus do vinho, do êxtase e do aulos — uma espécie de oboé duplo — cujo som se associava ao irracional, ao perigoso, ao abandono do eu.

Esta polaridade não era decorativa. Era uma teoria musical disfarçada de mitologia.

Os gregos acreditavam que diferentes tipos de música produziam efeitos diferentes na alma. A música apolínea — serena, ordenada, baseada na lira — elevava o espírito e favorecia a virtude. A música dionisíaca — excitante, hipnótica, baseada nos instrumentos de sopro — podia desestabilizar o caráter e despertar paixões inconvenientes. Não era apenas estética: era ética.

Platão, na República, chegou a propor que certos modos musicais fossem proibidos na cidade ideal porque corrompiam a alma dos cidadãos. Aristóteles matizou: alguns modos serviam para a educação, outros para a catarse, outros para o entretenimento. Mas ambos concordavam que a música não era neutra. Tinha poder, e esse poder precisava ser compreendido e regulado.

Os modos gregos: um sistema de mundos sonoros

O conceito central da teoria musical grega é o de modo, e vale a pena deter-se nele, pois é uma das ideias mais férteis de toda a história da música.

Um modo é, em termos simples, uma escala: uma série de notas ordenadas do grave ao agudo com intervalos específicos entre elas. Mas para os gregos, um modo não era apenas uma escala. Era um caráter, uma atmosfera, uma forma de perceber o mundo.

Os principais modos gregos recebiam nomes de regiões ou povos: o dórico, o frígio, o lídio, o mixolídio. Cada um tinha uma disposição particular de tons e semitons — isto é, de distâncias entre as notas — que lhe conferia a sua cor inconfundível.

O modo dórico era considerado sério, viril, adequado para a educação e a guerra. O frígio tinha um caráter apaixonado e extático, associado ao culto dionisíaco. O lídio era suave, melancólico, por vezes criticado pelos filósofos como excessivamente indulgente. O mixolídio, lamentoso e emotivo, era o favorito dos poetas trágicos.

Esta ideia — que uma mesma coleção de notas, reorganizada em diferentes ordens de intervalos, produz efeitos emocionais radicalmente diferentes — é profundamente verdadeira e continua válida hoje. Quando uma canção pop passa do modo maior para o modo menor para criar melancolia, está a operar dentro de uma lógica que os gregos descreveram há mais de dois mil anos.

Os modos gregos não são exatamente os mesmos que os modos medievais que viriam a ter os seus nomes séculos mais tarde — houve confusões e reinterpretações na transmissão —, mas a ideia que transportaram é a mesma: o som tem uma gramática emocional, e essa gramática pode ser estudada.

A música como ato total: poesia, dança e canto

Algo se perde facilmente quando estudamos a música grega pela perspetiva teórica: na prática, os gregos não separavam a música das outras artes.

A palavra grega mousikē — de onde vem a nossa «música» — designava na verdade uma arte combinada: poesia, melodia e dança formavam uma unidade inseparável. Os poemas de Safo, de Píndaro, dos grandes líricos não eram textos pensados para ser lidos em silêncio: eram canções, interpretadas com acompanhamento de lira ou aulos, por vezes com movimento corporal.

O teatro grego — a tragédia de Sófocles ou Eurípides, a comédia de Aristófanes — era também, na sua origem, música. O coro que comentava a ação cantava e se movia. Os atores declamavam com uma musicalidade regulada. Não havia obra de teatro que não fosse também, de alguma forma, uma obra musical.

A transmissão escrita: o legado teórico

Ao contrário da Mesopotâmia, onde a notação servia principalmente para preservar composições concretas, a escrita grega sobre música tem uma ênfase diferente: a teoria.

Aristóxeno de Tarento, discípulo de Aristóteles que viveu no século IV a.C., escreveu os tratados de teoria musical mais sistemáticos que chegaram até nós. Os seus Elementos de harmonia descrevem com precisão os modos, os intervalos, as escalas e os géneros melódicos — o diatónico, o cromático e o enarmónico, uma distinção técnica ainda hoje utilizada em teoria musical.

O que é notável em Aristóxeno é que propôs uma visão da música centrada na perceção auditiva, e não na matemática. Para ele, o que importava era a forma como os intervalos soavam ao ouvido, e não as suas proporções numéricas.

Essa posição colocava-o em aberta contradição com outra tradição igualmente poderosa na época: a dos que sustentavam que a música era, na sua essência, matemática. O representante máximo dessa visão era alguém cujo nome já encontrámos no final da publicação anterior, e ao qual dedicaremos integralmente a próxima.

O que a Grécia deixou

O legado musical da Grécia Antiga não é um repertório de obras — da música grega concreta conservaram-se apenas alguns fragmentos — mas um conjunto de ideias que se revelaram extraordinariamente férteis.

Estas ideias viajaram, transformaram-se, perderam-se parcialmente e foram redescobertas. Chegaram à Idade Média através de Boécio. Inspiraram o Renascimento. Estão presentes, por vezes de formas irreconhecíveis, na forma como falamos de música hoje.

«A música é uma lei moral. Dá alma ao universo, asas à mente, voo à imaginação, e vida e alegria a tudo.» — Atribuído a Platão

Sugestões de escuta

• Epitáfio de Seikilos (c. séc. I a.C.) — a canção grega completa mais antiga que se conservou, com notação original
• Hino a Apolo (c. 138 a.C.) — reconstrução do Coro Gulbenkian
• Ensemble Kérylos, dirigido por Annie Bélis — especialistas em música da Antiguidade