Hildegarda de Bingen

Una vida entre muros y visiones

Hay músicos que transforman un género. Hay músicos que fundan uno. Y hay, muy raramente, alguien que hace algo más extraño y más radical: pone por escrito un mundo sonoro que existía solo en su cabeza, sin maestros, sin modelos cercanos, casi sin precedentes. Hildegarda de Bingen es una de esas personas. Monja benedictina del siglo XII, teóloga, médica, profetisa según su época, y compositora de una música que suena, mil años después, como si viniera de otro planeta y al mismo tiempo del lugar más hondo del ser humano.

Para un guitarrista, Hildegarda puede parecer distante. No escribió para cuerdas pulsadas. No dejó tablaturas. Pero quien se acerque a su música con oídos abiertos va a encontrar algo que ningún manual de teoría enseña: cómo construir una melodía que respira sola, que no necesita armonía debajo para sostenerse, que tiene forma propia como un río tiene cauce. Eso es algo que todo guitarrista —clásico, jazzista, compositor— necesita aprender tarde o temprano.

Hildegarda nació en 1098 en Bermersheim, en el Sacro Imperio Romano Germánico, décima hija de una familia noble. A los ocho años fue entregada a un convento benedictino, práctica habitual en la época para las familias que no podían costear dotes para todas sus hijas. Lo que nadie esperaba es que esa niña se convertiría, con el tiempo, en una de las voces más influyentes de su siglo.

Desde pequeña tuvo visiones que describía como una "luz viviente" que le revelaba verdades sobre Dios, la naturaleza y el cosmos. Durante décadas las guardó en silencio, hasta que a los cuarenta y dos años, según ella misma relató, recibió una orden divina de escribirlas. Así nació el Scivias, su gran obra teológica: una suma de visiones ilustradas que circuló por toda Europa y le valió el reconocimiento del papa Eugenio III y de Bernardo de Claraval, los hombres más poderosos de la Iglesia en ese momento.

Pero las visiones no eran solo texto. Hildegarda escuchaba música en ellas.

El sonido de las visiones

A lo largo de su vida, Hildegarda compuso alrededor de setenta y siete piezas musicales, reunidas principalmente en su colección Symphonia armonie celestium revelationum —"Sinfonía de la armonía de las revelaciones celestiales". El título ya dice todo sobre cómo entendía ella su música: no como creación humana sino como transcripción de algo que venía de más arriba.

Lo que hace única a esta música dentro del contexto del siglo XII es su libertad melódica. El canto gregoriano estándar de la época era relativamente moderado en su rango vocal: las melodías se movían dentro de una octava, a veces algo más, con ornamentación discreta. Hildegarda rompió eso con una audacia que sus contemporáneos encontraron desconcertante. Sus melodías saltan intervalos amplios, suben y bajan con una urgencia casi física, cubren a veces dos octavas completas en una sola frase. No es virtuosismo por el gusto de mostrar técnica —es expresión directa, visceral, de un estado interior.

Tomemos el Ordo Virtutum, su obra más ambiciosa: un drama litúrgico en el que las Virtudes y el Alma combaten contra el Diablo. Es, según muchos musicólogos, el drama musical más antiguo que conservamos con música completa. El Diablo, significativamente, es el único personaje que no canta: solo habla. Hildegarda justificó esto diciendo que el mal no puede hacer música. Es una idea pequeña y poderosa que dice mucho sobre cómo ella entendía el sonido: como algo intrínsecamente ligado al bien, al orden, a lo que ella llamaba viriditas —la verdura, la fuerza vital que anima todas las cosas.

Melodía sin red

Aquí está la lección más profunda para cualquier músico que estudie a Hildegarda: sus melodías funcionan solas.

En el siglo XII no existía la armonía tonal tal como la entendemos hoy. No había acordes debajo, no había bajo que sostuviera, no había progresión armónica que guiara al oyente. La melodía era todo. Y Hildegarda, quizás precisamente porque no tenía esa red de seguridad, construyó melodías con una arquitectura interna extraordinaria: frases que se abren y se cierran con coherencia, que crean tensión sin apoyo externo y la resuelven con medios puramente melódicos.

Para un guitarrista que trabaja la improvisación o la composición, esto es un ejercicio mental valiosísimo: ¿puede tu melodía sostenerse sin los acordes debajo? ¿Tiene forma propia, o solo tiene sentido porque el acompañamiento la sostiene? Hildegarda, sin saberlo, planteó una de las preguntas más exigentes del lenguaje musical.

Sus modos tampoco son los del gregoriano estándar. Hay en su música momentos que suenan casi modales en el sentido contemporáneo, otros que anticipan tensiones que la música occidental no va a explorar sistemáticamente hasta siglos después. No porque Hildegarda "adelantara su tiempo" —esa frase siempre es un poco tramposa— sino porque su fuente no era la teoría sino la escucha interior, y la escucha interior no conoce normas.

La voz que llegó hasta hoy

Hildegarda murió en 1179, a los ochenta y un años, en el monasterio de Rupertsberg que ella misma había fundado. Fue canonizada en 2012 por el papa Benedicto XVI, quien también la declaró Doctora de la Iglesia —uno de los títulos más altos en el catolicismo, que en ocho siglos había recaído solo en treinta y seis personas.

Su música desapareció casi por completo durante siglos. Fue redescubierta en el siglo XX por musicólogos que empezaron a transcribir los manuscritos medievales, y se convirtió en un fenómeno cultural inesperado en los años noventa, cuando grupos como Sequentia o el ensemble Anonymous 4 comenzaron a grabarla y llenarla de nuevo de sonido. Hoy sus antífonas e himnos circulan en plataformas de streaming, en playlists de meditación, en cursos universitarios de historia de la música.

Algo en esa música toca una fibra que tiene poco que ver con la época en que fue escrita. Quizás sea precisamente eso: que Hildegarda no escribía para su siglo. Escribía para lo que escuchaba dentro.

Escucha recomendada

• O virtus Sapientiae — Antífona. Una de sus melodías más reconocibles, con ese salto ascendente característico que parece un grito contenido.
• O frondens virga — Responsorio. Ejemplo perfecto de su manejo del rango vocal amplio.
• Columba aspexit — Responsorio. Una de las piezas más elaboradas del Symphonia, con una arquitectura melódica asombrosa.
• Ordo Virtutum — El drama completo. La grabación de Sequentia dirigida por Barbara Thornton (1982, re-editada) es la referencia.
• Ave generosa — Himno a la Virgen. Punto de entrada ideal para quien escucha a Hildegarda por primera vez.

Hay algo paradójico en Hildegarda: una mujer que vivió encerrada entre muros de piedra y dejó una música que suena completamente libre. Como si el espacio exterior no importara cuando el espacio interior es lo suficientemente vasto.